Creando una realidad ficticia: Filmando en un espacio limitado.

¿Alguna vez por tener un presupuesto reducido o por decisiones del guión, has tenido que rodar una escena en una habitación ó algún otro espacio reducido?, si tu eres de los que pensaban que filmar en espacios limitados, era equivalente a limitar tu creatividad, te equivocabas, hoy trataremos de entender el sutil arte de crear cine incluso de dos personas sentadas en un cuarto.

Sobre lo que esta mal de filmar en una habitación, destacaremos la inmovilidad, el cine es dinamismo, es contar una historia a través de movimientos, no movimientos de los actores, sino de las miradas del publico, el arte de hacerlos mirar lo que tu quieres que miren a través de la cámara, se llama edición, con la edición se genera el ritmo, a traves de ella se cuenta la historia.

Tu guion puede decir "Jose se levanta de su cama, afuera hace ya sol, se pone una camisa, coge las llaves del auto y sale por al puerta", lo que hace diferente a ese instante de tu pelicula, es como lo edites, para ponerte ejemplos hay directores que han hecho de la edición un sello caracterisitico de su cine, como es el ejemplo de Martin Scorsece, director que en sus inicios imprimió su estilo por medio de ìmagenes mostradas con gran rapidez y en diversos angulos, destacando cada acción como aislada, dejando asi una sensacion de vertigo en sus espectadores, como en "Cabo de miedo" donde uso, su intenso sentido de la edición para llevar un ritmo frenetico y desesperado en los momentos de mas terror y tensión. Luego veremos en mas detalle el proceso de edición.

Volviendo a la habitación, un buen encuadre puede dar detalles que cuenten lo que tus actores no deberían decir en sus diálogos, por minúsculos que sean los detalles o las acciones, pueden ser usadas para contar la historia con mas naturalidad que ninguna frase. Entre las películas que repasaremos hoy a manera de ejemplo, todas tienen la cualidad de narrar la acción en dos capas, los diálogos como la capa superior, pero mas importante y mas profunda, las acciones y las imágenes, comencemos.


Es talvez uno de los personajes que mas se nos viene a la mente cuando hablamos de edición y encuadre, Alfred Hitchcock filmo en 1948 la que seria una pelicula que pareciera casi pensada en la enseñanza de cine, La soga, nos presentaba un dilema que en la epoca seria talvez mas fuerte "¿es el cine el teatro a traves de una camara, o es el cine un universo mucho mas infinito?". La teatrealidad de "La soga" provenía de su puesta en escena, la película se desarrollaba enteramente en un departamento y es mas, en una habitación de ese apartamento, el plot era un asesinato y dos jovenes dispuestos a jugarse el pellejo con tal de retar a su maestro a descubrir el crimen.

Hitchcock juega entonces a filmar todo alargando lo mas posible los planos y un mismo movimiento llevando la atencion de los minúsculos detalles a la amplia toma del departamento, para Hitchcock, un hombre acostumbrado incluso a no mirar por el lente, la imagen mental que tenia del espacio lo era todo, su mundo, su miniuniverso, mas alla de eso no habia nada mas, toda acción entonces era vital, el dialogo debia ser fluido y llevar al espectador, en compañía de las acciones, a traves de la trama. Distinto hubiera sido el film si Hitchcock hubiera puesto a hablar a sus personajes sobre como mataron a la victima y como engañar a su maestro. Hitchcock definia el suspense como el ver a dos personas conversando en una mesa con una bomba debajdo de ella, sin que ellos lo supieran, el publico lo sabia, eso generaba el suspense, mas importante que esas dos personas, era la bomba.

Pero si nos queremos centrar en las personas tambien poder tomar como ejemplo la excelente cinta "Doce hombres en pugna", la cinta encierra a doce personajes en una habitación, miembros de un jurado que debe condenar a un joven por el asesinato de su padre, y que deben deliberar hasta que todos lo consideren culpable o inocente, la trama se tuerce cuando solo uno de ellos cree en su inocencia. Aquí los limites de la atención del publico se fuerzan por el interés en descubrir los hechos que salven al muchacho, es verdad, la mayor parte del film es dialogo, pero la tensión crece a medida que los jurados desesperan, se cuestión y pelean, a pesar de solo estar deliberando, la acción no se detiene, se crean bandos, conflictos y emociones, la cámara los enfoca por separado cuando opinan y juntos cuando el grupo entra en conflicto, aquí la verdadera atracción es el guion que por si solo genera un interés expectante, de recomendad visión.

Un ejemplo en el cine moderno es Reservoir Dogs, la cinta debut de Quentin Tarantino, bien podría haberse rodado solo en el deposito donde ocurre la mayor parte de la acción, pero Tarantino quería imprimir nuevas sensaciones cinematográficas al romper la linealidad narrativa y jugar con el conocimiento del espectador, pero si nos enfocamos en las acciones en el interior del deposito, la película es un verdadero festival de innovación y creatividad; Tarantino, asiduo de cómics y películas de gansters, crea a momentos fotografía estáticas, poses heroicas a manera de viñetas y posiciona la cámara a veces tan lejos de sus personajes, que apenas podemos ver lo que hacen, pero siempre manteniendo una velocidad de imagen íntimamente relacionada con los sonidos, algo que muy pocos le reconocen.

Si bien las reglas estan para romperse, debes ser conciente que la unica solucion para cambiar la accion por la estatica, es empecinarte tanto con el concepto que permitas al espectador ser complice con tu idea, casos como el director frances Jean Luc Godard y su celebre estilo de romper las reglas establecidas del cine, hacen parecer que filmar veinte minutos a una pareja conversando sea tan facil como él lo hizo en A bout de souffle, o que exitos comerciales como el logrado por Paranormal Activity sean tan faciles de repertir como el colgar en tu cuarto una cámara. Lo mas recomendable es darle a tu publico algo dinámico y entretenido que observar, sin importar que tan reducido sea el espacio. Para la exageración de las limitaciones esten atentos al estreno de una pelicula llamada Buried, cinta que acontece en su totalidad dentro de un ataúd donde el protagonista a sido encerrado y enterrado vivo.

Creando una realidad ficticia: Hablando para la cámara? o Actuando por motivación?

Por mas que tu historia se situé en un escenario de la "realidad", por decir "Lima Perú domingo por la mañana en una cafetería en la Marina", aun así estas tratando con una realidad ficticia, que es la que estas armando a través de tu guión, muchas películas tienen diálogos o situaciones que no emulan a la realidad, es decir a la realidad comunicativa entre sus protagonistas.

Miremos por ejemplo las películas de ficción, Star wars, Alien y The Lord of the Ring, si lo se, les podrán parecer a algunos de ustedes películas vacías o irrelevantes, que no cuentan una realidad social o no aportan nada a la idiosincrasia de su país, pero si hay algo que podemos aprender de ellas, si hay algo rescatable que hasta a los mas críticos les puede servir, eso es su manejo de personajes, su fluidez de acción, su dinámica cinematográfica y mas resaltante, su cualidad de hacer participes de una realidad que a per se no existe, sin la complicidad de quien la mira.

Por ello en cintas como esas, crear una relación personaje-entorno-emociones es prioritario para generar una empatía con la audiencia. Bien decía Peter Jackson que en cuestión de ofrecer una historia al publico, uno debe hacer que este se conecta con el mundo y los personajes que hay en él, por ello ponía especial esfuerzo en hacer que su mundo ficticio pareciera real, pero ¿como harías tu que tu historia situada en el mundo real, parezca real?

Lo que les digo es esto, han visto ustedes aquellos cortos, o películas, donde los personajes hablan y hablan de sus problemas, en una habitación o sentados frente a frente, con la cámara tomándolos de perfil y haciendo planos a sus rostros cuando hablan, se quedan callados, como quien dice para reflexionar y luego lanzan una mirada, suspiro y se van?

Si tu eres el director de esto y como hablas del embarazo no deseado o de la violencia familiar, te parecerá que aquello esta muy bien, que hacer que tus personajes guarden respetuoso silencio, o se conmuevan hasta las lagrimas es una buena forma de expresar dolor o reflexión. Pueden estar sentados en una mesa normal, en una casa normal, pero si les hacer hablar sin pensar en si el publico se conectara con ellos, es lo mismo que estén hablando sentados en Marte, con trajes espaciales.

Como decíamos en el anterior post, las acciones definen las motivaciones, por tanto una buena sucesion de acciones hablara por si misma de los deseos y emociones de tu personaje, pero esto debes visualizarlo aun antes de escribir el guión, si en algun caso debes elegir entre una escena donde tu personaje habla de sus problemas y otra donde actua en una situacion que podra en mesa sus conflictos, siempre es mas recomendable elegir la segunda opcción.

Bien pero en que casos, si podemos hacer que nuestros personajes se habrán al publico de frente, hablando y sin acciones? El detalle es en hacer que esta conversación sea un punto de quiebre en la tensión emotiva de la historia. Para ilustrar mi punto aqui les dejo algunos ejemplos:

La conversación en el muelle marca el reencuentro de Ram con su hija, pero también nos muestra que tan solo y abatido esta el personaje y cuan deseoso de perdón y redención se encuentra, tengan en cuenta que nada de esto sirve sin la historia anterior a este encuentro.

En little miss sunshine podemos ver como las tensiones se disipan y logran unir a los miembros mas perdidos de la familia por medio de una coversacion que genera la confianza de la que carecian.

Casos especiales son aquellas películas que se basan en diálogos, pero tengan en cuenta que estos deben en si mismos contar una historia y ser dinámicos y ágiles, ademas de transmitir una idea con un fin, es decir sin entrar en rodeos ni reafirmaciones.

En Walking Life de Richard Linklater, nuestro interes es situado a la fuerza en lo que dicen los personajes, pero luego nos conectamos con sus ideas, por lo interesante y vistoso del dialogo.


Quentin Tarantino ha hecho del dialgo frente a frente una necesidad de su cine, en Pulp Fiction podemos contar hasta siete ocasiones de extenso dialogo frente a frente, lo mismo en su demas peliculas, el exito de Tarantino en este aspecto radica en que él cuenta la historia a traves de los dialogos, pero sus personajes nunca hablan de "la historia" por lo que el dialogo la hace avanzar como reflejo de la personalidad de sus personajes, es decir nunca veremos una película de Tarantino donde el asesino describa como va matar a su victima y luego lo haga, sin duda hablara con el de superman, coca-cola o música y luego le cortara la oreja, volara los cesos, o dibujara una esvastica en su frente

La personalidad de los personajes. Primer paso: La honestidad.

Los personajes no son personas, pero aun así tienen o deben tener personalidades marcadas, que los identifiquen y los distingan del resto de personajes. Uno de los errores que se comete con frecuencia es hacer que tu personaje tenga tu misma personalidad o tus ideales o forma de pensar. Aquí unos tips que puedan ayudar a solucionar ese error.


Para empezar un valor fundamental a la hora de crear una historia es la honestidad, no puedes exigir a tu personajes mas de lo que el puede dar, o llevarlo por donde tu lo quieras llevar, si eso no es consecuencia de dos cosas: su personalidad, y sus deseos.

En muchas películas noveles [también en las de los consagrados] llegamos a ver que los actores sueltan discursos sobre los personajes o sus motivaciones, o toman acciones que parecen venir de ningún lugar, ya sea porque el escritor decidió que dicha acción le gustaba y se la endoso a tal personaje porque creyó que "el podría hacerlo", pues bien como si fuera por instinto al ver la cinta podemos darnos cuenta inmediatamente que ello no tiene lógica.

"Voy a matar a Montesinos" ¿era necesario incluir esa idea en el guión?

Han oido el dicho que dice "un tonto jamas sabra que es un tonto", es igual cuando construyes una historia, si te ciegas en tus ideas y las pones por encima del transcurrir natural de la misma, obtendras un resultado pobre e irritante para quien lo vea, algo que tu no podrás notar, pues estaras demasido convencido en pensar que las personas que vean tu pelicula aceptaran los hechos, tal y como tu lo hiciste.

Pero no me malentiendan, hay momentos en los que incluso esta permitido que tu personaje tome un camino que normalmente no tomaría, pero para ello debe hacer un proceso, por minimo que sea o alguna catarsis que le obligue a cambiar su forma de actuar, pensar o ser. Incluso el ambiente en que desarrollas tu acción puede influir, ejemplos son el drama, la acción o la comedia. Aqui unos ejemplos:

De taxista preocupado por la decencia a maniático asesino de proxenetas, la evolucion de Travis Bickle ocupa toda la pelicula y refleja como una ciudad puede corromper la mente de sus habitantes. La acción y el enfoque filosófico desde el punto de vista de Travis nos vuelven participes de su cambio


De joven común a uno de los mejores asesinos de zombies del celuloide, como quien no quiere la cosa Ash se enfoca tanto en la locura a su alrededor que ni nos damos cuenta en que momento cambia tanto. La comedia es el medio por el cual aceptamos su gradual transformación.

Kevin Bacon supera todo lo predecible cuando toma en sus manos vengar la muerte de su hijo, victima de las pandillas, el drama es el detonante de su motivación y transformación, a través de ella llegamos a aceptar su cambio.

Mujeres en el cine y su presencia femenina.

Se han preguntado porque las mujeres bellas, pueden caber en cualquier historia, uno las ve en la pantalla y aunque parezcan modelos, nosotros las aceptamos como la mujer promedio idónea para la historia. por eso creo que siempre es mejor una mujer bella haciendo de mujer común, que una mujer común haciendo de común.

Por algún motivo su belleza nos conecta con su femineidad, si el propósito de su personaje es ser una figura femenina, es mas difícil conectarse a su verdadero atractivo, si este no es físico y evidente.

El cine europeo, norteamericano y asiático son claros ejemplos de esto.

Penelope Cruz como la tipica dueña de un restaurante español

Ana Karina, la tipica chica promedio dispuesta a cometer un crimen.

La siempre atrativa Milla Jovovich, perfecta para interpretar a Juana de Arco, que sin duda era tan atractiva como ella.

Como no podria ser de otra manera Paullete Godard, como la huerfana mendiga promedio.

Faye wong, una de esas vendedoras de hamburguesas con las que nos topamos todos los días.

¿Pero tienen estas elecciones un carácter sexista? la respuesta es no, pues de ser de ese modo, mujeres de todo el mundo repudiarían no verse retratas en la pantalla grande tal y como son, y sin embargo las vemos emocionarse hasta las lagrimas cuando a la madre hogareña interpretada por Julia Roberts, el bombero común interpretado por Jude Law le confiesa su amor.

Es mas un caso de caricaturas, si vas a hacer una película sobre el amor, que resulte universal, refleja en tus personajes, masculinidad y femineidad, ese plus agregado a la belleza física es una apuesta segura para la buena reacción de la audiencia.

Por otro lado los arquetipos de lo femenino no solo se limitan a lo bello, también tiene otras caras, como lo maternal o lo erótico, pero es claro que el mismo publico femenino se identifica mas con la belleza, que es en estadísticas, el mayor anhelo femenino y una de sus fuertes caracteristicas.

En toda obra de arte, la belleza y la simetría son importantes, hasta en el mínimo detalle, como el rostro de tu protagonista.